Containers, museus i DAESH: espamejar la nostra ficció política

A partir del segle XVI, arxiducs i mercaders encarregaren a pintors com Adriaen Stalbemt, Willem van der Haecht o David Teniers el jove retrats dels seus gabinets de pintura, les sales on exposaven quadres i restes arqueològiques. Però no seria fins al 1750 quan la col·lecció d’art de la monarquia francesa es va exposar públicament al palau de Luxemburg de París, obert els dimecres i dissabte durant vint anys. Quatre anys després de fer rodar els caps dels Borbons, el 8 de novembre del 1793 la capital francesa obria definitivament al públic el primer museu, al palau del Louvre.

Durant estos segles, el museu -primer en privat, ara en obert- ha construït l’estètica occidental. Ho ha fet a partir d’uns imaginaris com l’arquitectura neoclàssica o el cub blanc que han legitimat el paper del museu. Com apunta Uriel Fogué a la seua tesi “Abriendo la caja negra”, amb la desaparició del predomini de l’Església, la seua moral va ser substituïda per una ètica civil que necessitava nous llenguatges per consolidar el règim.

Naixia així la figura de l’arquitecte, fins aleshores un artesà com els mestres d’obra valencians. La burgesia necessitava la figura dels arquitectes, teòrics acadèmics que amb ferramentes racionals elaboraren sofisticades teories sobre com la bona arquitectura condicionaria el bon comportament dels «homes».

Conceptes desenvolupats a l’acadèmia, com “el caràcter” o “la tipologia”, consolidaren la condició comunicativa de l’arquitectura. Diferents signes i llenguatges denotaren els usos dels dissenys. Amb una lectura encara hui vigent, apareixen com artefactes neutres, però en realitat els edificis -i les institucions que acullen- són aparells disciplinaris que acoblen violentament a humans i no humans a l’ordre social establert.

No “performa” a la llista de grans museus del món, però Ports Francs et Entrepôts de Genève SA és una empresa publicoprivada suïssa que emmagatzema casi un milió d’obres d’art, segons Cominnaissances des Arts. Igual que hi havia zones perquè els mariners guardaren quarantena després de navegar, als ports es fundaren zones franques on poder emmagatzemar temporalment les mercaderies sense passar per les taxes de duana.

Encara que a Gènova no hi ha port marítim ni ZAL, el 1849 el cantó va fundar la seua empresa de ports francs i magatzems. Ara la logística es desplega entre l’aeroport de Gènova i el barri de la Praille, on l’estudi d’arquitectura 3BM3 dissenya des del 2003 la renovació de la imatge de la zona franca.

Les façanes dels nous edificis es conformen amb panels metàl·lics i geometries modulars que combinant dos o tres colors, recreen el llenguatge dels containers portuaris. Una lògica que l’estudi replica als freeports que ha dissenyat a Singapur i Luxemburg, inaugurats l’última dècada amb la iniciativa de l’empresari suís Yves Bouvier.

A una reunió del G-20, el ministre de finances francés Michel Sapin demanava més transparència per a ports lliures com el de Gènova, «llocs on es podrien vendre obres d’art robades a l’Iraq o Síria per recolzar el DAESH». Un any després, quan el govern suís va aprovar una supervisió més estricta per al Port Franc de Gènova, Bouvier va vendre la seua participació -un 5% de les accions- de Ports Francs et Entrepôts de Genève SA.

Les zones franques portuàries, les escoles d’arquitectura o els museus d’art participen de la mateixa ficció política que sustenta les nostres vides. La Universitat d’Alacant va començar a impartir el grau d’arquitectura el 1996, em vaig matricular l’any 2012 i m’he habilitat com arquitecte el 2020.

Encara que algunes escoles ja han trencat amb el rescat il·lustrat de l’intel·lectualisme moral platònic -si qui coneix el bé, farà el bé; l’arquitectura pot millorar el comportament dels seus usuaris-, la formació dels arquitectes encara beu d’estructures mentals anteriors a l’accés de les classes treballadores a la universitat.

Fins que Jesús Vázquez no va eixir per la televisió dient que era gai, jo no sabia que això es podia ser. Ara es tracta de saber quin arquitecte pot ser un net de llauradors. Si els que ara són arquitectes poden convertir museus en contenidors, i contenidors en actius financers d’organitzacions terroristes... La nostra imaginació tampoc tindrà límits. Espam per això ja és un èxit: una finestra emergent que ajuda a ampliar els horitzons del que és possible des de la perifèria.

@carlospastor__ / discontinuitats.cargo.site

Agitación cultural desde el apoyo mutuo

Encontrar un espacio que fuera más que una oficina, un espacio que haga ciudad. En 2018 tras varios años cocinando la Factoría Cívica junto con otras compañeras, la idea de gestionar un espacio que acogiera un amplio ecosistema de colaboración empieza a materializarse. Todavía no sabemos si encontrar el edificio de Trinitat 10 fue fruto de la casualidad, de la suerte, de la búsqueda activa o una mezcla de todo. La cuestión es que en mayo desde mismo año entramos una docena de personas a diseñar de forma conjunta la gestión del espacio emblemático.

Una de las primeras cosas que nos marcó fue determinar su nombre: Colector. Que habla de aquel que recoge, lo que implica definir qué y a quiénes se recoge. Pero sobre todo, cómo se acoge, cuando la convicción primera en el nacimiento del espacio había sido la voluntad de generar un lugar abierto de colaboración, donde experimentar nuevas formas de relación.

Identificar los mecanismos para que el espacio se abriera y empezara a acoger a los proyectos, las personas y las iniciativas emergentes fue un gran desafío. Llevábamos tiempo, desde el grupo de gestión de Colector, reflexionando en torno a la idea de activar unas residencias que nos permitieran apoyar, con los recursos de los que disponíamos por aquel entonces, iniciativas innovadoras vinculadas a Valencia. Éstas, además de disponer de un espacio físico para su desarrollo, contarían con el apoyo de un grupo de personas que vemos en la mutualización, el camino de la acogida, la generación de red y la promoción de nuevas formas de hacer ciudad.

La respuesta a las residencias fue un éxito. Nunca hubiéramos pensado que un planteamiento que ofrecía más valores de trabajo que recursos materiales, pudiera captar el interés de iniciativas tan diversas, y que meses más tarde, estaríamos colaborando con la agitación cultural del año: ESPAM. Desde que recibimos su propuesta nos atrajo la idea de entender la gestión cultural como una herramienta de transformación territorial, donde una residencia se convirtió en 100 más.

A través de 3 eventos pudimos conocer los límites personales, espaciales y de gestión en Colector para responder a la nueva oleada de artistas multidisciplinares de Valencia. Una generación posterior a la nuestra con un talento desbordante, sin complejos para remezclar y con alto sentido de la corresponsabilidad. De cierta manera, sentíamos que crecíamos junto a ellas, pues nos dábamos el apoyo mutuo tan necesario en carreras incipientes.

Ahora, casi un año después de Espam, vemos más claro que nunca el poder transformador que tiene la cultura, el arte y el capital social de las nuevas profesionales, no solo para dar contenido, sino para activar espacios urbanos e imaginarios colectivos. Nos ilusiona pensar que Espam, al igual que CARPE, nace de la Escuela de Arquitectura y plantea desde una perspectiva amplia, diversa e inclusiva, caminos para escribir la sociedad contemporánea que queremos vivir. Tanto dentro como fuera de la disciplina.

Este artículo lo escribimos con dos años de distancia de aquel emocionante inicio en Trinitat 10, cuando Colector está inactivo y mientras nos acoplamos a las fases de desescalada de una pandemia mundial. Desde CARPE nos apetecía aportar nuestra visión particular, con el deseo de que los factores que hicieron todo posible: la confianza, la cooperación, la generosidad y el apoyo mutuo, sigan siempre presentes.

Aitor Deza, Irene Reig y Maje Reig

@carpestudio / carpe.studio

Apuntes sobre casa Antillón: nuestro viaje

Hace algo más de año y medio la casualidad llevó a uno de nosotros a la calle Antillón. Aprovechando el espacio del piso compartido, realizamos en febrero de 2019 una exposición en la que 20 artistas reflexionaron y mostraron sus creaciones en torno al espacio doméstico. Sobrecogidos por las emociones y el interés que despertó el evento, escribimos una crónica que registró los sentimientos vividos en aquel momento. Finalizaba con un deseo y una invitación abierta, para todo aquel interesado en casantillon.

“Casa Antillón ha sido la prueba de que esto es lo que nos mueve e interesa. Tenemos fuerza y energía para seguir adelante, empujando la cultura emergente de Madrid. Con modestia y coraje. Con ganas de invitaros a nuestra casa una vez más.
25/02/2019”

Volvimos en septiembre, esta vez en Casabanchel. El espacio nos lo prestaron Javi, Marko y Jorge tras visitar la primera Expo. Ahí 50 artistas mostraron sus piezas, performances y sonidos ante un público cada vez mayor. Se llamó Solo Show, evento que se desarrolló durante dos semanas nos mantuvo intensamente ocupados registrando 50 Solos para finalizar el sábado con 24h de exposición en la que reunimos todas las piezas individuales en un group show masivo. Casantillón se condensó en el tiempo y en el espacio, Solo Show fue la última exposición de casantillon, aunque nos quedamos, como la primera vez, con ganas de invitaros una vez más.

Estos últimos meses, hemos estado reflexionando sobre lo que significaron aquellos dos eventos. En casa, la domesticidad se ha vivido de manera intensa. Aislados hemos soñado con el exterior. De ahí nace Edén. Nos acordábamos de aquel septiembre cuando descubrimos la casa de campo, cercana a la calle Antillon. Las hierbas estaban secas, amarillas bajo el sol aún ardiente de finales de verano. Los paseos después de nadar en la piscina de Lago nos llevaban a las colinas donde Madrid se veía en un atardecer incendiado y precioso. Rápidamente nos enamoramos del parque y de sus mitos, sentir el sol en el cuerpo completamente desnudo con las encinas enmarcando la cercana plaza de España. Nos reunimos en varios cumpleaños e hicimos muchos pic-nics bajo el cableado del teleférico. Celebramos el de Emmanuel a mediados de Febrero, ya que como él dice, “por mi cumpleaños siempre brilla el sol”. Ese día fue el último que disfrutamos del parque. Ahora que lo vemos como algo de un tiempo lejano, queremos volver.

Queremos volver al Parque a disfrutar del sol, olvidándonos por un momento de existir y disfrutando de la belleza. Edén se convierte por tanto en una celebración de la vida y el reencuentro con la naturaleza, pues queremos reconciliarnos con ella. Encontremos juntos la dicha en este nuevo despertar que se aproxima como un horizonte nuevo, en el que todo vuelve a ser posible. Queremos escucharnos, vernos, disfrutarnos. Casa de Campo, con su imponente vastedad, nos abraza a todas y todos, nos quiere a todos y todas. Tomar el aire entre sus árboles vuelve a ser posible.

En nuestras conversaciones de estos meses nos imaginábamos constantemente cómo sería volver a vernos, fantaseábamos con el día que llegase ese renacer. Nos propusimos quedar en casa de campo al amanecer y pasar el día juntos, paseando y riendo. Pero no queremos hacerlo solos, por eso hemos invitado a amigas, amigos y conocidos a participar en Edén. Nos gustaría hacer algo en el dilatado espacio del parque, estando a la vez todas juntas Lo doméstico se transforma ahora en la domesticidad del exterior, quizá el pic-nic Goyesco, al aire libre sea la mejor manera de quedar para merendar.

Nuestra siguiente exposición tendrá lugar en una casa muy particular; La Casa de Campo, el gran parque de la ciudad de Madrid. Aún es pronto para saber qué pasará, pero tras varios meses de incertidumbre, tenemos claro que el aire libre y el juego nos pueden enseñar a volver a ser niños y a soñar.

@casantillon

Cultura als barris

EntreBarris som una xarxa que aglutina associacions de diferents barris de la ciutat de València en lluita per un habitatge digne i que defensem un model de ciutat allunyat dels interessos capitalistes.
Defenem un altre model cultural i d’oci per a la nostra ciutat. Actualment, el model cultural proposat per les institucions i la iniciativa privada, va encaminat a afavorir la gentrificació, amb totes les conseqüències que aquesta comporta (expulsions, augment del preu del lloguer...).

Un model que té com a paradigma el barri de Russafa on, després d’haver patit un procés de degradació fomentat pel govern encapçalat per Rita Barberà, es va acabar convertint en el “barri cultural” de la ciutat. Un barri on abans hi havia locutoris, restaurants de diferents nacionalitats o “tendes de tota vida” i on ara hi ha galeries d’art, cafeteries “brunch” o botiges vintage. És a partir d’aquest procés de dinamisme cultural i artístic que pateix el barri que les grans immobiliàries, grups d’inversió i especuladors aprofiten per expulsar el veïnat de Russafa i acaben convertint aquest en un parc temàtic i no en un barri per a les veïnes.

Aquest és el model cultural consumista i capitalista que enceta molts dels processos de gentrificació de les ciutats com podem veure en altres barris de l’Estat espanyol com Lavapiés a Madrid o en altres ciutats europees com és el cas d’Amsterdam o Berlín. A partir d’aquests processos, les iniciatives privades ( amb el suport explícit o implícit de les administracions) organitzen esdeveniments culturals dirigits sempre a un públic elitista i allunyat de la realitat de la majoria de veïnes que hi viuen al barri. A la ciutat de València en tenim uns quants exemples, que durant els darrers anys estan vivint una eclosió. amb el Russafart com a el paradigma.

Un “model d’èxit” que s’està estenent a altres barris de la ciutat, com és el cas de Benimaclet o El Cabanyal. A aquests barris proliferen els nous racons dedicats a artistes, a hispters i a turistes mentre desapareix el teixit propi del barri que va perdent pes davant la gran embranzida que se’ls ve a sobre. La ciutat celebra que El Cabanyal siga elegit per The Guardian com uns dels 10 barris més cool d’Europa (el número 3 per ser més concret) mentre que es mira cap un altre costat quan al mateix barri les expulsions del veïnat es multipliquen i no cessen.
Davant d’aquest model cultural, que també implica una privatització de l’espai públic, nosaltres defensem una cultura de base centrada en les associacions veïnals i en el teixit local. Una cultura arrelada a cadascun dels nostres barris i a la nostra ciutat on posem en valor el nostre patrimoni, les nostres expressions culturals autòctones i on aquest model cultural servisca per establir lligams entre el veïnat i no, solament, per atraure visitants.

Calen propostes innovadores i alternatives com potser l’exemple de les Falles Populars i Combatives que des de fa més de 10 anys porten a la nostra ciutat un altre model de festa fallera. Una festa que té clar quin són els seus orígens i que està arrelada plenament en els reivindicacions i problemàtiques del veïnat de Ciutat Vella. Aquestes propostes alternatives han de nàixer des de la base i de l’autoorganització popular i no poden estar dirigides ni per l’administració ni tampoc per iniciatives privades que sols busquen lucrar-se econòmicament.
Hem de recuperar l’espai públic per construir uns barris habitables i compromesos amb la seua realitat. Hem de seguir defensant la cultura popular allunyada dels interessos del capital. Hem de seguir, en definitiva, construint contrapoder des dels nostres barris.

@entrebarris / entrebarris.org

Saltar la valla

Quedamos con LUCE y Lebrel -Lucas y Fernando- en la casa del segundo, en l’Horta Sud. El anfitrión ha preparado unos cremaets y nos sentamos en el salón que habíamos visto antes en algunas publicaciones. Su casa es como un museo habitado, repleto de prototipos, piezas de colegas, recuerdos... Les decimos a los dos amigos que queríamos hablar con ellos porque nos interesa mucho su capacidad para captar cosas donde nadie más las ve y la manera en la que entienden la ciudad, como si fuera un campo de juego.

Les preguntamos sobre lo que opinan como productores y consumidores de la escena cultural de la ciudad: -Yo creo que ambos no somos muy consumidores- dice Lucas -ni sé si llegamos a comprender del todo dónde estamos-, a lo que Fernando añade que en su día a día les preocupan más “sus movidas” y sus proyectos como creadores que su papel como consumidores. Nos explican que es algo natural, -en tu propia ciudad sueles tener cosas que hacer-, una rutina y unos planes que entran en conflicto con la sobreprogramación de las agendas artísticas y culturales. Es difícil compaginar el consumo de arte, cultura y diseño, ser parte del grupo que lo constituye y respetar ciertas líneas de disidencia.

Comentamos con Lucas la manera en la que la cultura reglada, entendida como un organismo de aceptación social, valoración y oportunidad dentro de los círculos del arte y el diseño, genera una tensión entre la obra y la calidad de la misma. Más allá de las instituciones como una escapatoria a la precariedad en la carrera creativa de cualquier artista, hay una amalgama de contactos, personas, negocios, dinero, intereses, etc, que juntas configuran un filtro que parece necesario validar -para que tu trabajo se dé por bueno-, dice Lucas. Ambos coinciden en que a veces hay que dejarse ver, pero que en general estas dinámicas les dan mucha pereza.

Sin embargo, a ellos lo que les motiva son otras cosas, como dice Fernando: -Hay muchos espacios en València que nos interesan-, como Nvcli, o el desaparecido Umbral, y otros, que no están programados y que cuentan con otro tipo de potencial. Hablamos sobre cómo la música electrónica genera espacios para reunir gente, modelos de habitar TAZ (Temporary Autonomous Zone). En su caso suele darse de manera más íntima: -En la fiesta de Nochevieja- comenta el diseñador en referencia a la de 2019, que celebraron dentro de la estructura de un puente -quedamos con algunos amigos... Pero normalmente estos espacios no los pensamos para abrirlos al mundo, como mucho los documentamos para poder recordarlos y luego los enseñamos-.

Estos espacios que desbloquean con sus ejercicios no tienen naturaleza de meeting point, lo definen más como una práctica individual, pero les seduce la idea de que sirva de detonante para la acción, la apropiación activa y descubrir rincones donde -te lo puedes pasar pipa-. Aunque detrás de convocatorias como Lucitur, sí que existe una intención de reunir gente, son más bien una invitación para formar parte de procesos íntimos compartidos con una clara intención: demostrar que -se pueden hacer muchas cosas que a lo mejor de primeras te suenan raro, como estar pateando la ciudad hasta las siete de la mañana con un grupo de desconocidos-.

Existe una tensión entre el hacer público y mantener la privacidad como mecanismo de resistencia frente a los círculos reglados del arte. La motivación en lo abandonado, en lo inexplorado, en todo aquello al margen de la sociedad es clave en las líneas de trabajo de ambos, el -No Lugar-. Para Fernando y Lucas, es importante consumir mucha calle, en todos sus estados. -Yo ya toco muy poco el taller, estoy paseando. Ahí es donde me siento realizado, sobre todo descubriendo sitios- dice el artista, a lo que añade -conocer la calle por la noche te da una perspectiva distinta, es como ponerte en medio de una rotonda: un lugar que has visto miles de veces pero que nunca habías pisado-. El conocimiento ligado a la experiencia te hace perder el miedo, aspecto básico para disfrutar de la ciudad, un lugar por explorar con curiosidad y huyendo de la castración estandarizada de la urbanización.

A Fernando le interesa mucho -exprimir los espacios y los recursos de éstos-. Su trabajo está fuertemente vinculado a la experiencia y al aprender con las manos, -si algo me interesa, voy a la hora que sea y aprovecho la inercia inicial-, explica reconociendo el esfuerzo que ha hecho para tener su propio taller y así poder materializar sus ideas. -Fernando es una persona de una practicidad muy relacionada con el oficio y el trabajo, muy en contacto con la estructura económica real del mundo en el que vivimos. Mi figura, por ejemplo, es mucho más idealizada en relación con la vida-, comenta Lucas, que nos cuenta que últimamente no necesita tanto producir, sino que disfruta del paseo, de la parada, de situarse físicamente en un espacio, de consumir soledad. Resulta estimulante provocar al exponerse en un lugar donde no se acostumbra ver a nadie.

Un espacio de oportunidad. Para Lebrel es importante que no esté transitado, resaltando la sensación infantil de encontrar el escondite. A Luce, sin embargo, le atrae más la situación que el lugar, queriendo sacar a relucir el potencial de los lugares con los que aún estando familiarizados son ajenos a nuestra experiencia. Sus posiciones son una respuesta a la sociedad del hiperconsumismo, como el Jardín Secreto del que escribe Byung-Chul Han.
En lo que los dos coinciden es en que resulta fundamental no tener vergüenza, experimentar, no creerse los límites y acceder a los lugares… "saltar la valla".

@luceabc / lebrel.org

Traslaciones generacionales

Cuando en 1984, recién salida de Bellas Artes, fundaste La Nave junto con otros 10 socios, España se encontraba en un momento de fuerte efervescencia política, social y cultural, donde el diseño jugó un papel muy significativo en la construcción de todo lo que estaba por venir.

Hoy en día, nuestra generación vive en un contexto de agitación diferente, marcado por los retos globales y locales que plantea la incertidumbre del futuro inmediato. ¿Cómo viviste el momento en el que te iniciaste como diseñadora en tu juventud y cómo el que vivimos nosotras ahora?

-Considero que mi generación ha tenido el privilegio de mirar al futuro con optimismo debido al cambio que supuso pasar de una dictadura a una democracia. España estaba en pleno proceso de modernización y vivió un estallido de creatividad. En Valencia también tuvimos nuestra “movida”, de menor escala que la de Madrid o Barcelona, pero muy vibrante.

Por otra parte, desde que Valencia se postuló para ser Capital Mundial del Diseño, esta profesión ha ganado en visibilidad y está calando en la conciencia ciudadana: ahora se exige que las transformaciones urbanas sean dignas, como ha sucedido con el proyecto de la Plaza del Ayuntamiento, yo veo esto como un factor para el optimismo.-

La Nave era un espacio en el que se compartían recursos, gastos, conocimientos, clientes y aprendizajes entre otros. ¿Cuáles fueron los motivos que os llevaron a juntaros?

-Los socios que venían de los estudios NBC y Caps i Mans, ya eran profesionales desde hacía tiempo, intuyeron que las instituciones públicas iban a demandar diseño y pensaron que contar con un equipo grande y preparado podría resultar interesante para abordar proyectos de cierta envergadura. Nosotros, Sandra, Luis y yo, estábamos haciendo prácticas en Caps i Mans y vieron interesante incluir a una generación más joven que además venía de Bellas Artes, un ámbito distinto a los suyos.

Yo no me lo pensé: un estudio grande, con tantos socios, que saben más que tú y que te pueden ayudar siempre a resolver tantas dudas e incógnitas que uno tiene cuando empieza… Así surgió La Nave. Encontramos una nave industrial - de ahí el nombre - y a partir de ese momento pasamos a trabajar como un estudio de 11 personas que funcionábamos individualmente o en grupos de trabajo de manera flexible, según los requisitos y complejidad de cada proyecto.-

La Nave se consolidó como una plataforma que os permitía abordar muchos proyectos de diferente naturaleza y envergadura, en un momento en el que estaba todo por hacer y por diseñar. ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentan las disciplinas del diseño hoy en día?

-El mayor reto es frenar el calentamiento global y la pérdida de biodiversidad. El colapso ecológico es la mayor amenaza a la que se ha enfrentado la humanidad en toda su historia. La situación que estamos viviendo constata, una vez más, la necesidad de cambiar los modelos de producción y de consumo y el diseño tiene que ser un aliado imprescindible en esta transición.

La sociedad avanza hacia una sensibilidad más centrada en la calidad de vida y menos en generar consumo. El diseño gráfico tiene el poder de comunicar esos valores no sólo ayudando a nuestros clientes a comunicar aquellas acciones alineadas con esos valores sino desde el activismo gráfico, desde la educación medioambiental institucional y, sobre todo, negándonos a reverdecer lo marrón. Los diseñadores no podemos ser cómplices de una industria que no es responsable con el futuro y que compromete la vida en condiciones aceptables para las generaciones futuras.-

En La Nave los límites entre disciplinas muchas veces se presentaban difusos. ¿De qué manera afectó esto en tu formación y en la manera en la que trabajas hoy en día?

-Trabajar desde muy joven en un equipo multidisciplinar me dio alas para pensar que podía hacer de todo. Básicamente, porque me resultaba natural; ellos lo hacían, ¿por qué yo no? Aun así, me atreví con mucha prudencia, porque fui consciente nada más iniciarme en la profesión de que yo no sabía casi nada. Me dediqué a formarme, fueron años intensos y trabajé y aprendí muchísimo. Esto se ha materializado en que a lo largo de mi carrera he desarrollado proyectos de distinta naturaleza y que más de una vez han sobrepasado el ámbito del diseño gráfico: he hecho diseño de espacios, diseño de producto, moda… ahora, por ejemplo, voy a comisariar una exposición. He tocado diferentes palos y en cada caso he buscado asesoramiento, porque cuando no sabes hacer algo tienes que estudiar, analizar, investigar y preguntar.

Para definir una disciplina hay que limitar el ámbito que ésta abarca, pero eso no quiere decir que uno en su práctica profesional tenga que asumir esos límites de forma estricta.-

Vemos esto reflejado en cómo el diseño se aproxima cada vez más al arte y los límites entre estas disciplinas se vuelven más difusos, mientras que en nuestro territorio seguimos asociando el diseño con la productividad y el arte con la intelectualidad y realidades más abstractas. ¿Crees que aquí empezaremos a difuminar también estas barreras, o seguiremos viéndolo como una clara dicotomía?

-Desde mi punto de vista, arte y diseño están relacionados, pero no son lo mismo. Entiendo que se estudien en los mismos centros de formación, puesto que la actividad intelectual de ambas es dotar de sentido a lo que haces, pero las motivaciones que hay detrás de cada una son muy diferentes. El artista expresa su propio discurso, mientras que el diseñador traduce visualmente el discurso del cliente. Yo analizo lo que el cliente quiere y mediante mis habilidades comunicativas y mis destrezas técnicas e intelectuales llevo esa demanda a la mejor solución que soy capaz de dar. El artista se plantea preguntas, es como un filósofo que abre debates en un acto de libertad mientras que el diseñador resuelve problemas de comunicación.

Pero que el diseño sea arte o no, dependerá de la comunidad artística. Si ésta piensa que el diseño merece estudio y atención, si hay coleccionistas y museos que compran obra de diseño como si fueran piezas de arte, pues entonces es que ellos ya han decidido que hay piezas de diseño que son obras de arte. Nosotros no tenemos que darle más vueltas, porque ¿cuál es la definición de arte?-

La falta de referentes femeninos es uno de los grandes retos a los que se enfrentan actualmente los espacios de aprendizaje. Al ganar el Premio Nacional de Diseño se reconoce tu trabajo desde un punto de vista institucional y se te posiciona como uno de estos referentes. ¿Afectó de alguna manera esta falta de referentes femeninos en tu trayectoria?

-A mí y a todas. Lo cierto es que las mujeres hemos aprendido la profesión a partir de modelos masculinos y no se trataba de desechar esos modelos y elegir otros porque apenas había otros.

Recuerdo que, en los años 90, me invitaron a dar una conferencia y ante la incomodidad de hablar en público una amiga feminista me animó, dijo “tienes que aceptar, eres un referente en tu profesión y las mujeres tenemos que ocupar esos espacios”. He asumido el compromiso de dar conferencias y aceptar puestos de responsabilidad, me apetezca o no, porque si nosotras no damos el paso luego no nos podemos quejar.-

¿Cómo crees que ha evolucionado la situación al respecto?

-Desde mi ingenuidad, pensé que a mi generación le tocó la suerte de vivir en una época en la que, por una pura evolución histórica, la igualdad ya era un hecho incontestable. Que la humanidad, en su camino de ir mejorando, había por fin llegado a la conclusión de que hombres y mujeres valemos lo mismo, que las mujeres somos tan inteligentes, trabajadores y creativas como los hombres. Hoy en día somos muchas las mujeres en activo y el porcentaje de mujeres que estudian diseño es superior al de varones. Sin embargo, los espacios de poder y de prestigio, en casi todos los ámbitos, siguen estando en manos de los hombres.

Las mujeres, en la mayor parte del planeta, siguen siendo sometidas, invisibilizadas y maltratadas, así es que, me siento afortunada de vivir en la parte del mundo donde nadie se atreve decir que hombres y mujeres no valen lo mismo, pero hay que seguir luchando para que el respeto y la dignidad de todo ser humano se respete independientemente de su sexo. Reconocer la igualdad de todo ser humano contribuye a hacer un mundo más justo.-

¿Consideras que es importante fomentar cierta paridad cuando creamos espacios para pensar y experimentar en el diseño?

-Me parece necesario, porque así se anima a las mujeres, ya que el problema que tenemos es que no nos lo creemos, no nos vemos capaces. Hemos sido educadas en el patriarcado y el amor romántico, esto ha creado un estereotipo de mujer que no se corresponde con los modelos de liderazgo, son modelos que incitan a buscar el príncipe azul y la creencia de que una buena vida se consigue a través del amor. Luego una se da cuenta de que el amor romántico no existe y que ha puesto muchas expectativas en estar bella y no en formarse intelectualmente… Pues ya, se acabó.

A mí me da mucha envidia la manera en la que vuestra generación es capaz de identificar estas cosas. Vosotros, entre las cosas buenas que tenéis como generación, se encuentran la tolerancia hacia la diversidad, el respeto y la igualdad, además, tenéis conciencia ecológica. Eso es un gran avance para mirar el futuro con esperanza.-

Respecto al nombramiento de València como Capital Mundial del Diseño 2022 y tu papel como presidenta de la Asociación, ¿qué puedes decir del estado actual del diseño valenciano y lo que supone para el mismo este nombramiento?

-En la actualidad el diseño nacional tiene un ecosistema maduro que se concentra en diferentes áreas españolas y Valencia es una de ellas. En nuestra comunidad, existen varias generaciones de diseñadores trabajando simultáneamente, escuelas, universidades públicas y privadas, revistas especializadas y empresas intensivas en el uso del diseño. El nombramiento de Valencia es un acontecimiento muy importante, que tiene relevancia internacional y que puede llegar a convertirse en un hito en la percepción que se tiene del diseño, tanto por parte de la ciudadanía como por parte del empresariado. Desde el nombramiento de Valencia, el diseño está ganando en visibilidad y calando en la conciencia ciudadana.

Durante todo un año, Valencia desplegará multitud de eventos en los que exhibirá al mundo cuáles son sus logros en el campo del diseño. Pero la verdadera naturaleza de este acontecimiento es iniciar un proceso de transformación urbana a partir del trabajo conjunto entre arquitectos, diseñadores, instituciones y ciudadanía.-

Ante esta voluntad de entender el diseño como una herramienta transformadora, ¿cómo crees que se materializará el impacto de la capitalidad en la ciudad de Valencia, ya no solo dentro del sector, sino en la propia ciudadanía?

-A parte de exhibir los logros y que la ciudadanía se sienta orgullosa, hecho que es muy bueno para la cohesión social de una ciudad, nosotros aspiramos a que Valencia sea ejemplar en el uso del diseño y debemos aprovechar esta oportunidad para hacer pedagogía del diseño, así como consolidarlo dentro de la administración.

Faltan dos años para que seamos capitalidad, una transformación urbana no se puede llevar a cabo en este tiempo, pero sí se pueden establecer los cimientos de ese proceso. Este es un proyecto comprometido con el derecho que tienen los ciudadanos a gozar también de un espacio urbano amable, sostenible y atractivo. Las instituciones tienen que apoyarse con profesionales con criterio para mejorar los espacios públicos o la calidad de nuestra arquitectura. Debemos exigir calidad en los edificios, en el mobiliario público, la iluminación, la señalización... Yo quiero vivir en una ciudad más limpia y más verde. Creo que, bajo nuestro filtro mediterráneo de ser y estar en el mundo, podemos aspirar a una ciudad más cuidada.-

Respecto a la transversalidad del proyecto, ¿de qué manera se prevé integrar las diferentes disciplinas del diseño, así como el papel de las prácticas emergentes y los espacios de aprendizaje?

-El espíritu con el que hemos gestado esta capitalidad ha querido ser desde el inicio generoso con todo el ecosistema del diseño. Es un proyecto inclusivo del que queremos que todos se sientan partícipes y esto se traduce en un enfoque transversal tanto entre disciplinas como entre generaciones. Abriremos fórmulas de participación ciudadana para que aporten ideas. Confiamos en que la ciudad entera se implique, desde los principales centros culturales a las universidades, integrando en sus agendas la programación de la capitalidad. Si toda la ciudad se involucra, podremos hacer grandes cosas.-

Aunque es pronto para saber cómo afectará esta pandemia sanitaria global al mundo en el que vivimos, ¿de qué manera crees que cambiará tu práctica como diseñadora?

-Lo que más me ha afectado ha sido el distanciamiento social, estar siempre sola. También ha cambiado la forma en la que me relaciono con mis colegas y mis clientes. Pero a las disciplinas del diseño esto les va a afectar de lleno, porque se va a necesitar, mientras no haya una vacuna, tomar medidas de seguridad, hacer productos que antes no pensábamos, adaptarnos al teletrabajo, crear nuevos mobiliarios, nuevos espacios, etc. Trabajo para el diseño habrá, porque tendremos que resolver los nuevos problemas que esta situación está poniendo en la escena.

El diseño vive en esa tensión permanente de generar el deseo de consumo, ahora tenemos que generar el deseo de consumo responsable. Yo no sé cómo evolucionará esto, pero se hace evidente un decrecimiento, no en el sentido de que vamos a ganar menos, sino en el de que en la productividad, las fábricas, ya no pueden estar al ritmo de consumo energético y de recursos en el que han estado. No podemos seguir dedicando nuestra energía a cosas superficiales con la de asuntos importantes que hay que abordar, no podemos estar derrochando, no podemos ser tan consumistas, hemos de ir más a lo suficiente, a lo necesario. Y aquí yo creo que el diseño tiene mucho que hacer y que decir.-

@gallenibanez / gallenibanez.com

Cultura, Estado y Ciudad

Tenemos hoy una noción de cultura que vendría a ser un ámbito entre lo meramente comercial y una serie de productos y prácticas elitistas financiadas con dinero público que poco tienen que ver con las necesidades y reivindicaciones sociales. En teoría, las instituciones culturales se deben al interés general, por lo que deben interpelar y garantizar el acceso a la cultura a toda la ciudadanía. Pero nos encontramos con unas administraciones que tienden a mantener los mismos esquemas de gestión y reparto endogámico de poder y que conciben la cultura desde un enfoque neoliberal –como activo de mercado y recurso para impulsar ciertos fines al margen de lo cultural– que se impone sobre su valor trascendente. Este es un modelo de acceso pasivo a la cultura, que se considera activo por el mero hecho de ser consumido y que mide su éxito únicamente a través de un número de visitantes sin tener en cuenta otros indicadores como la capacidad de transformación, de producir redes, de contribuir al común. En este sentido, el reto de responder al interés general se convierte en una ficción cuando las instituciones culturales se utilizan con intereses muy particulares –en Valencia conocemos el «caso Ivam»–, o cuando es el propio Estado, no sólo el que monopoliza la legitimidad de lo que forma o no forma parte del interés general, sino el que lo define a través de la construcción de una falsa cultura universal, es decir, imaginando una comunidad con intereses culturales similares a los suyos, normalizando gustos y estéticas, produciendo sujetos: aquí aparecen los signos externos de una sociedad desigual y excluyente.

En nuestra ciudad escasean equipamientos culturales de pequeña escala, mientras sobran grandes equipamientos infrautilizados que podrían ser reapropiados por la ciudadanía, y no se ha dejado de dificultar la actividad de cualquier iniciativa de autoorganización o de pequeños centros de ocio –como ha sucedido con la sala Umbral– que han intentado sacar adelante propuestas alternativas. A pesar de ello, no dejan de surgir prácticas y grupos de cultura, en ocasiones como respuesta a esta falta de medios y espacios, que están poniendo en el centro la interdependencia, los cuidados y las comunidades, que han dejado de creer en el sujeto autónomo creador, que construyen y viven la cultura en común: una realidad que tiene voluntad de poner en crisis las dicotomías dominantes con las que el poder se ha ido institucionalizando y que evidencia que hacen falta nuevas políticas culturales y nuevos modos de interlocución con las administraciones. Para poder defender y enriquecer unas culturas de la experiencia y frente a la imposición de la cultura como recurso, más allá de la marginalidad y del voluntariado como ocurre ahora, es hora de preguntarse cómo abrir nuevos espacios que puedan ser estimulados por pequeñas comunidades. Pienso que para ello cabría actuar desde dos niveles. Desde un nivel institucional, sería necesaria una revisión de los marcos normativos, porque los equipamientos culturales pueden utilizarse de muy distintas maneras, por distintos grupos y con diferentes intensidades y gradientes de participación para evitar caer en universalismos que homogeneizan y disimulan las diversidades.¹ En segundo lugar, desde la arquitectura y el urbanismo, es hora de que estas profesiones –y también sus escuelas– sean responsables y conscientes de su dimensión política y ética para lograr la transformación positiva de las ciudades. La arquitectura y el urbanismo, que imaginan y proyectan espacios, no son disciplinas neutras; tienen también la capacidad de contribuir a la formación de entornos compartibles de cultura y crítica, que favorezcan la capacitación y la interrelación, que alienten la esperanza de luchar por una sociedad más cooperativa que recupere su poder legítimo, contra el discurso del miedo y las dinámicas de poder y dominación.

@p111111_

Apuntes de cuando todavía podíamos bailar

Desde su misma definición, el proyecto Colector ha sido un espacio abierto al público en el que poder compartir y experimentar. Plantear el programa de residencias era un paso lógico para expandir la comunidad ya existente con nuevas ideas; una iniciativa entendida como un intercambio de experiencias que nos daba la oportunidad de conectar a equipos jóvenes de la ciudad. Con la perspectiva que da el tiempo, las residencias contribuyeron, además, a constatar que las brechas generacionales existen y comprenden menos años de los que nos gustaría admitir, pero que no son insalvables. Y lo sano y esperanzador que es redirigir una mirada desprejuiciada hacia quienes nos suceden.

De la experiencia de ESPAM en Colector se pueden destacar varios hitos que poco o nada tienen que ver con el éxito de sus tres convocatorias, que a todas luces lo tuvo. Como principio, el compromiso absoluto con cada una de las fases de desarrollo de su proyecto, un control que, por qué no decirlo, provocó no pocos puntos de sana fricción que permitieron que todas pudiésemos avanzar en nuestro objetivo común.

Al arrojo y las ideas claras se añadieron valores dignos de admirar, como una estricta ética de retribución a los artistas en unos tiempos en los que el pago por visibilidad es la principal divisa para jóvenes creadoras y que supone un paso adelante para frenar la rueda de la precariedad a la que varias generaciones se ven abocadas si desean desarrollar sus visiones fuera de la lógica de un mercado laboral obsoleto.

Por último, desde la disciplina que ejercemos algunas de las manos que escribimos estas líneas, lo importante que es constatar cómo el éxito o fracaso de un espacio, más allá de su arquitectura y enclave físico, vendrá determinado por cómo lo habitemos. Podemos decir con total convicción que ESPAM y las futuras experiencias que de ella deriven, podrán ocupar el límite difuso del dentro y fuera, lo ambiguo entre el espacio y la ciudad, el maravilloso espacio intermedio de tensión que separa la vida secreta de los edificios con el espacio que permanece en ellos.

Maria Donnini y Maria Grifo (pianopiano) y José Aguado

@pianopianostudio / pianopiano-studio.com

Mapa de Sociedad 0

Esta es la sexta vez este año que nos ofrecen explicar el proyecto de Sociedad0 y es el primer año, desde finales de 2016, que no hemos realizado ningún proyecto con todo el colectivo al completo. Las publicaciones subidas a Instagram son de diferentes componentes del grupo. Hemos descubierto que el balance entre los presupuestos de las propuestas que nos han llegado hasta ahora y el tiempo que nos gustaría dedicarles está completamente desequilibrado, resultando en más noes al proyectar en colectivo, yendo hacia una individualidad en busca de subsistencia, concentración y desarrollo personal. Parte de esta situación, sin duda afecta al estado actual de Sociedad 0, separado en dos convivencias de 4 personas.

Este experimento colectivo se basa en la construcción de nuestro hábitat de manera progresiva, una reforma continua sin miedo a tirar y construir las paredes que hagan falta para ajustarse a la convivencia y lo aprendido a través del hacer y la experiencia.

Sociedad 0 está en el quinto de una nave industrial de 7 pisos de Hospitalet, la segunda ciudad más grande de Cataluña. El edificio da a la Rambla Marina, un camino que se recorre en horas normales y corrientes, rodeado de personas entre 60 y 75 años, con andar tranquilo sin intentar pasarte de moderno. En sus caras se puede ver la serenidad de una jubilación bien ganada y bien pagada.

El recorrido lleva del punto A, la Ville Radieuse de Bellvitge, al B, el pueblo antiguo de Hospitalet, con su plaza, su ayuntamiento y su mercado. Que yo sepa no hay ninguna reforma ostentosa de algún arquitecto catalán de renombre. Estos dos enclaves de Hospitalet quedan separados por el polígono, cada vez más habitado por artistas y desde siempre por una industria mediana, aún con bastante actividad e iglesias evangélicas, los domingos, con el volumen lo suficientemente alto para despertar de una buena resaca a los que habitamos ilegalmente justo encima de sus techos de uralita.

Sociedad 0, está en el medio del recorrido entre el punto A y el punto B, en el medio del polígono que queda atravesado y bien planificado urbanísticamente por la Rambla Marina, en el medio de la vida del artista escondido en el polígono, y la vida en sociedad. Más de una vez nos pregunta algún jubilado, trabajador o cartero si estamos okupando o si tenemos una ocupación concreta.

Actualmente se puede acceder a nuestra nave por dos entradas, el edificio es lo suficientemente ancho para tenerlas. Un muro de 38 metros de longitud divide Sociedad 0 en dos convivencias. En la convivencia A conviven 4 personas en 4 habitaciones diferentes, en la convivencia B conviven 3 personas en 2 habitaciones. Trabaja una tercera con dos de las tres personas que duermen. Se le ha habilitado un estudio individual, ya que en las otras dos habitaciones de la parte B hay espacio de sobra para albergar, también, en su interior, un estudio con una mesa grande para cada una.

El muro está construido con pladur, al igual que las distintas separaciones que encontramos en los dos lados. Varias puertas abren paso a diferentes espacios que generan la unión y separación conceptual y física del colectivo. La puerta más importante mide 1,50 metros. Es la única que comunica las dos convivencias, está hecha con restos de madera, mal anclada a un marco que apenas resiste. Como el resto de elementos arquitectónicos de las dos partes, la construyó alguno de los diseñadores que habitan y trabajan en ambos lados. De todas las construcciones que aquí se observan, puede ser que esta sea la que menos entusiasmo suscitó en su creación. Siempre suena un estruendoso chirrido de la madera rozando con el suelo y obliga al que la traspasa a inclinarse, rindiendo pleitesía al muro.

Al lado de esta puerta, separada por una de las columnas estructurales del edificio, que ha quedado encastrada en el muro tras la separación, hay otra apertura, esta vez sellada por un tablero de MDF grande y barato. Esta puerta solo se puede abrir con los cuatro tornillos que la sellan en sus esquinas, y sirve únicamente para pasar de la parte B, donde se encuentran los montacargas, objetos o construcciones de gran tamaño a la parte A, algo que rara vez ocurre.

La tercera apertura que encontramos nos lleva a una sala de exposiciones que ha quedado en el interior mismo del muro, es una sala grande, de paredes blancas. En ellas exponen no solo las personas del colectivo, sino todos los grandes artistas de Hospitalet. Ha sido visitada por los mejores curators y críticos de arte contemporáneo. Al final de esta sala, hay una puerta que da a la fábrica. En ella hay varias máquinas automatizadas, con las que un antiguo componente de Sociedad 0 está experimentando el futuro de los métodos de fabricación, obteniendo excelentes resultados en sillas, mesas, lámparas, camas, ceniceros, perchas, caballetes, y demás objetos cotidianos. El taller da de nuevo a uno de los lados de la nave. Cerramos la puerta por la que acabamos de salir y bajamos por una trampilla que da a uno de los dos salones. Descendiendo cuatro pisos por las escaleras que se encuentran al lado de los montacargas, se accede a la primera planta, el almacén. Aquí se encuentran los sobrantes de todas las maderas cortadas, retales de tela, botes de pintura a medias, resinas, y una colección de objetos encontrados en la calle que la empresa de basuras del ayuntamiento se encarga de seleccionar y dejar rigurosamente cada noche de los jueves, a las 4:30 de la madrugada, en la entrada de los montacargas. Estos objetos se guardan sin excepción en cincuenta estanterías de 15 metros de alto, más propias de una empresa de logística que de un estudio de artistas. A través del almacén se puede acceder a los subsuelos del edificio, donde guardamos uno de los grandes secretos del colectivo. Este espacio lo okupamos hace año y medio, con el propósito de satisfacer nuestra terrible necesidad de celebrar fiestas una vez al mes. El equipo de sonido nos fue regalado por una sala de conciertos muy conocida en Barcelona, cuyo nombre no podemos revelar. En estas fiestas han participado artistas como Arca, Grimes, James Zoo, Brian Eno, John Zorn, Philip Glass, Cecilio G, Bad Gyal, David Byrne, Kraftwerk, Tyler The Creator, Mans O, Nermambola, Sábado y Fugazi entre otros.

Subimos de nuevo por el ascensor de una de las dos escaleras del edificio hasta la séptima planta. Terminamos nuestro ascenso por unas escaleras que dan acceso a una terraza de mil metros cuadrados, la planta exacta del edificio, donde encontramos sus 21 columnas estructurales alzándose a tres metros de altura, coronadas con una especie de apertura de chimenea o respiradero. Suelo y columnas impermeabilizadas con una pintura de color rojo, cuyo esplendor descubrimos cuando cae el sol y se potencia con los colores del atardecer. Desde la terraza se puede ver Bellvitge, el antiguo pueblo de Hospitalet, el polígono, las vías del tren, las rondas de Barcelona, el campo de fútbol de enfrente al que están cambiando el césped, la Rambla Marina, el MNAC de Montjuic y el Tibidabo, es una pena que no se vea el puerto.

por Ignacio Ezcurra

@sociedad0

Contra los espacios que sirven para encontrarlos a todos

Hace unos días, una compañera, gestora cultural rural, me comentó que estaba diseñando una programación teatral para un pueblo. Había articulado una propuesta bastante transgresora ya que estaba barajando emplear un espacio para el uso para el que fue creado en primera instancia. Es decir, que había pensado en utilizar el teatro como teatro. Resulta que, en ese pueblo, ese espacio nunca se ha utilizado antes para el fin que inspiró su construcción. Eso me hizo pensar en la polivalencia inherente a todos los espacios de desarrollo de la cultura, pero también en la polivalencia que se espera de las programaciones y creaciones y por supuesto que se asocia a los creadores. Posiblemente ese conjunto de direcciones que se desarrolla inconscientemente en los espacios es una cuestión actual, postmoderna, es decir, que deriva de la velocidad líquida con la que asumimos la vida que no nos permite arraigar ciertas actividades a espacios de permanencia: hemos cambiado los espacios de cultura por los espacios susceptibles de actividad cultural. Resulta muy complicado encontrar lugares de detenimiento pero todavía es mucho más complicado hallar lugares en los que tan solo se desarrolle una actividad, dignamente, y que esa actividad coincida con la que impulsó la construcción del sitio. Durante las últimas décadas, los bares se han ido transformando en improvisadas galerías de arte. La mayoría de artistas comenzaron exponiendo sus obras en cafeterías. Los recitales de poesía también proliferan en estos lugares. Las obras de teatro se representan a partes iguales en casas y comercios como en teatros y salas. En el mismo sitio están ocurriendo a la vez, transacciones de diferente naturaleza que se relacionan extrañamente. Hace años la búsqueda de la multiplicidad respondía a la falta de espacios y de compromiso por parte de las instituciones, el hecho de inundar los lugares de cultura constituía en sí mismo un acto de resistencia, articulaba una especie de brecha desde la que dar voz a una queja organizada, pero lo cierto es que aquel grito que demandaba espacio y posibilidad de existencia ha acabado convirtiéndose en una constante cotidiana, ha derivado en dinámica. Es hermoso que la cultura no entienda de barreras, ver que crece entre las grietas, pero a medida que el sistema ha normalizado el discurso, ha propiciado que se debilite su raíz reivindicativa y ha tergiversado el sentido. Aunque no se pueda negar el beneficio de las convivencias y la facilidad de acceso a las manifestaciones culturales, estas ventajas no han supuesto una mayor valoración de las profesiones de la cultura sino que ha plagado de intrusismo y de discursos banales el campo cultural. La polivalencia es una respuesta a la precariedad que deshabilita al campo, desarmándolo y desprofesionalizándolo. Además, a este flujo veloz en el que las direcciones comienzan a confundirse le ha respondido un bloque de opinión poco comprometido que no ha sido capaz de desestabilizar el discurso de las instituciones que si invierten en este tipo de iniciativas lo hacen con afán de absorción y de control de la crítica que llevó a la creación de las mismas. Al sistema le resulta positivo para su supervivencia que el reclamo sea invertir en este tipo de iniciativas porque eso le permite seguir ejerciendo poderosamente y reservar los espacios sacros para su propio discurso. En este punto, es necesario no polinizar solo los espacios cotidianos sino sobre todo tomar los espacios de la cultura reservados a la gestión institucional y comenzar a reivindicar la necesidad de que cada expresión tenga su propio espacio, comenzar a darle teatros al teatro y plazas a la poesía. Será necesario reclamar espacios específicos con usos específicos de dignidad completa.

@teresajuan